EL CUBISMO

Introducción:

La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año de encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos, fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueran pintadas por Braque. Puede afirmarse que Picasso es al Cubismo lo que Matisse al Fauvismo.

"Las señoritas de Avignon" en 1907 se consideran la piedra angular del arte del arte del siglo XX. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.

Origen del término "Cubismo":

Louis Vauxcelles habló de cubos en su comentario acerca de la exposición de Braque en la galería de Kahnweiler en noviembre de 1908. Vauxcelles también habla de bizarreries cubiques, expresión de la que deriva el nombre del estilo. Después se refirió a algunos de los pintores de los Indépendants de 1910 que trabajan bajo la influencia de Cézanne como geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a ínsipidos cubos. Se dice que Matisse también habló de petits cubes.

Las características de un nuevo lenguaje:

En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos:

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.
3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.
4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos
5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.
6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Evolución:

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: científico, órfico e instintivo. Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética.
Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo:

1. Fase analítica:

En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.


2. Fase hermética:

Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.


3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura

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En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.

El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos". Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Muchas veces se ha relacionado el arranque del collage cubista con el Ready-made de Duchamp. El collage se usó como nueva forma de trabajar tanto técnica como estéticamente, y derivó hacia otras técnicas diferentes como el fotocollage.

La ruptura cubista

Igual que otras muchas tesis de las vanguardias, las de los pintores cubistas nacen de experiencias anteriores. Una de las más importantes se remonta a 1880, cuando Seurat –apoyándose en la ley de los contrastes simultáneos- descubre el divisionismo, técnica según la cual en vez de mezclarse los colores se yuxtaponen provocando un nuevo efecto pictórico.

Sobre la nueva estética también gravitan las teorías empiriocriticistas y fenomenológicas de Boutron y Bergson, y otras que proceden de las ciencias puras, especialmente del ámbito de las matemáticas y la geometría. Así lo aprecia Apollinaire en su libro Pintores cubistas (1913), cuando escribe que “la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al arte de escribir”.

Mediante la pureza geométrica se pretende obtener la “arquitectura del cuadro”. Y esa búsqueda -que entraña una feroz batalla contra todo lo que resulte transitorio e impuro- condujo inevitablemente a muchos pintores por los senderos de la abstracción racionalista.

Representantes del Cubismo:

Hay tres artistas cuyo estilo de pintura cubista resulta coherente: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Hay otros muchos considerados cubistas, cuya obra difiere notablemente de los anteriores, Gleizes y Metzinger, autores del primer texto en torno al Cubismo, Du Cubisme. También trabajaron Marcel Duchamp y Francis Picabia, ambos luego empezaron pronto en el Dadaísmo. Otros de mayor inventiva fueron Robert Delaunay y Fernand Léger.

PABLO PICASSO:



Pablo Ruiz Picasso nació en la ciudad andaluza de Málaga, el día 25 de octubre de 1881, concretamente en el número 36 de la Plaza de Riego. Posiblemente el más genial de los pintores modernos vió por primera vez la luz del mar Mediterraneo, luz y color que reflejaría a lo largo de toda su obra. Empezó pronto su afición por la pintura y el dibujo, alentado por sus padres: D.José Ruiz Blasco, profesor de la Escuela de Bellas Artes de la capital andaluza y María Picasso López.

La actividad pictórica de Pablo Picasso comenzó a una edad muy temprana, con sólo 11 años fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña. Este lienzo lo empezó con 14 años años y demuestra el dominio que poseía del color, la composición y la técnica.

Una frase atribuída al pintor Malagueño en los últimos años de vida sentenciaba: "... a los quince años pintaba como Velázquez, y me ha costado ochenta pintar como un niño...". Posiblemente ninguna de las dos cosas sea verdad, pero sí reflejaba la necesidad que sentía de explorar e innovar en nuevos campos artísticos desde el principio de su carrera.

GEORGES BRAKE:

G.Brake.viaducto en L´estanque. 1908

Georges Braque se inició trabajando como decorador con su padre. Hacia 1900 se trasladó a París. Allí tuvo la oportunidad de conocer la vanguardia del momento. Entró en contacto con el Fauvismo y conoció el arte de Matisse y Derain. Asimismo, Cézanne supuso un gran descubrimiento para él. Sin embargo, será el encuentro con Picasso el que le impulsa a llevar su arte hacia un nuevo rumbo. Ambos emprenden la aventura del Cubismo.

JUAN GRIS:

juan José Victoriano González fue un dibujante extraordinariamente dotado. Se inició artísticamente en el Modern style, pero su instalación en París, en 1906 junto a Picasso, le introdujo en el Cubismo. En 1910 comenzó a pintar en la técnica del Cubismo analítico, sin llegar con todo a la descomposición radical del objeto que definía a tal tendencia. Tras la Gran Guerra, con sus Pierrots inició una nueva etapa a la que permanecería definitivamente fiel: la del Cubismo sintético. En 1923 realizó figurines y decorados para los ballets de Diaghilev y se dedicó a la ilustración de obras literarias. Su obra supone la culminación del Cubismo, que trato con una coherencia, perseverancia y rigor de los que carecieron muchos de sus mejores representantes. Su producción fue corta. Representante de la vertiente clásica del Cubismo, afirmó: "No es el cuadro el que debe coincidir con un objeto, sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro".

METZINGER:

Jeune femme pensive

(Nantes, 1888-París, 1957) Procedente del Neoimpresionismo y del Fauvismo, se decantó a partir de 1908 por el ideario cubista. Miembro de la Section d’Or, en 1912 colaboró con Gleizes en la elaboración del libro Sobre el cubismo. En este mo­mento, aparece como el creador más representativo del grupo. Su obra presenta dos etapas consecutivas. La primera, cubista en sentido estricto, que culmina en 1921; la segunda, definida por un decidido retorno a las formas del realismo. Para la crítica actual, su obra, determinada por una evidente laboriosidad, es de las menos atrayentes de la corriente.

FRANCIS PICABIA:

Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879, pero de origen cubano. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Pissarro y Sisley. De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp.

ROBERT DELAUNAY:


Homage to Bleriot by Robert Delaunay

(París, 1885-Montpellier, 1941) Impresionista y fauvista en sus inicios, paso a crear unas originales formas cubistas a partir de 1909, basadas en el contraste del colorido y el abandono de la perspectiva tradicional. Erigiendo al color como forma básica y protagonista de sus ob­jetos, muestra rasgos de un marcado dinamismo. Su estrecha relación con los dos países ibéricos (1914-1920) le llevó a potenciar con gran riqueza elementos formales y cromáticos extraídos de la realidad. En Madrid, realizó decorados y vestuarios para los Ballets Rusos de Diaghilev. Nuevamente en París, tras una etapa dadaísta y surrealista, hacia 1930 retomó sus intereses e investigaciones en la abstracción. Trabajó en la decoración para espectáculos de cine y como cartelista y, en 1937, elaboró los grandes decorados para la Exposición Universal de París.

GLEIZES:


Bailarina española

En 1916, Albert Gleizes se traslada a Barcelona, junto con el resto de los artistas de la vanguardia internacional que se establecieron en la capital catalana durante la Primera Guerra Mundial. Desde el principio, participa activamente en la vida cultural de la ciudad y, entre otras actividades, realiza su primera exposición individual en la Galería Dalmau.

A lo largo de 1916, Gleizes realiza una importante serie de dibujos a tinta y a gouache dedicados a la bailarina española. Este gouache, protagonizado por la combinación de planos de color es, sin duda, uno de los más acabados. En toda la serie el artista desarrolla plenamente su visión del cubismo, desestructurando los objetos en perspectivas geométricas, pero sin perder la referencia al mundo real.

Frente a la mayor parte de sus compañeros de vanguardia, que, en estos momentos, apostaban por la aventura dadá, Gleizes permanece fiel al cubismo. No en vano, él había sido, junto con Jean Metzinger, uno de sus primeros teorizadores.