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La Coctelera

ENCUENTRO DE DOS MUNDOS!!!

Todo empieza en una galería de arte de Madrid,España. Se encuentra Eduard Manet, clasicista e impresionista exponiendo sus obras en la Semana Española de Arte. Se encuentra muy emocionado y ocupado dando a conocer su obra que se vasa en el retrato, la elegancia influenciado por otros coterráneos suyos como lo fueron Goya. Su obra más preciada es El torero muerto, estando en la exposición aparece un hombre, se le acerca y le dice:

Lord: Hola maestro Manet, he visto muchas de sus obras y comparto bastante la visión que usted tiene de la realidad

Manet: Oh, muchas gracias gentil caballero. Perdón, usted es Lord..Byron. ¿Uno de los escritores más versátiles e importantes del Romanticismo, cierto?

Lord: Me halaga mucho su comentario, si pues soy el mismo, aunque no me consideraría uno de los más versátiles en cambio si consideraría mejores a mis antecesores. Soy un apasionado de los primeros románticos.

Manet: Si, es increíble Uds. le sacan lo bonito a cada experiencia, demostrando libertad y autonomía al describir la realidad.

Lord: Maestro gracias por sus comentarios. Pues la verdad el romanticismo es un estilo de vida, no es ver la vida de color de rosas es oler la vida como a rosas, ser positivo y no solo mirar lo malo de cada situación que nos sucede. Somos el tipo de personas que mezclan el espíritu racional y crítico para analizar la realidad.

Manet: Me impresionan bastante sus obras sobretodo por sus héroes o antihéroes.

Lord: Cuénteme, ¿Que piensa de ellos? Su opinión es muy importante para mí

Manet: Sus héroes presentan un idealizado pero defectuoso carácter con atributos como gran talento, exhibición de pasión, rebeldía, exilio, un oscuro pasado. Son muchas las características que los representan que me es imposible terminar de enunciarlas.

Lord: Bueno, coménteme ahora, ¿Cual es la obra mía que más le ha llamado la atención?

Manet: Las peregrinaciones de Childe Harold, Lara, Manfredo, que claramente son fichas autobiográficas que nos permiten descubrir su carácter excéntrico, polémico y controvertido.

Lord: Si, es que para mi uno no debe aceptar la realidad como es, sino verla con otros ojos.

Manet: A que se refiere con otros ojos, poeta?

Lord: Muchos han atribuido mis capacidades a un trastorno bipolar, a una depresión maníaca. Considero que soy ácido y cruel.

Manet: No diga eso, a mí también me pasa lo mismo, digamos El Torero Muerto, es mi pintura más polémica, solo porque no muestro una realidad donde todo es perfecto, no soy tan romántico como lo es Ud. al plasmar mi pensamiento de la actualidad, soy bastante trágico y dramático.

Lord: Entiendo eso, considero que a mí también me catalogan como polémico porque defiendo a los desheredados, los marginados, los miserables: corsarios y cosacos; y la hipocresía en general siempre me ha disgustado.

Manet: Igual es que vivimos en una época en la cual hay muchas guerras, digamos se que ud apoya a España ante la invasión napoleónica y la independencia de las naciones latinoamericanas.

Lord: Si ese es otro de mis tantos problemas, no quedarme callado y denunciar lo que me parece que está mal, Napoleón es un bárbaro que lo único que quiere es acumular riquezas a costas de otras naciones, no le basta con lo que tiene.

Manet: Pero bueno, contemos con que algún día ese bárbaro sea vencido y se le dé la lección que tanto necesita.

Lord: Tiene razón maestro, bueno volviendo a lo que me trae hasta aquí, cuénteme ¿que lo inspira en su obra y el por qué plasmar una realidad cruda?

Manet: Es una pregunta difícil, tratare de responderle lo más sincero posible. Para empezar mis obras han pasado por muchas etapas, ahora me encuentro en plena libertad de decidir que plasmar de la realidad que observo, En las condiciones en que tuve que desenvolverme he sido un incomprendido a lo largo de casi toda mi carrera, una situación verdaderamente amarga para un artista como yo, partidario del fair play y de carácter abierto, pero ambicioso bajo una aparente resignación, más dolorosa porque siempre aspiré a verme conceptuado a través del cauce al que atribuía significación categórica, el de los galardones oficiales.

Lord: Oh, la verdad comprendo bastante lo que es estar bajo una presión como esa, creo que compartimos los mismos sentimientos, que nos une a través del arte, ese don maravilloso que se nos ha entregado para que nosotros se lo heredemos a la sociedad en general.

Manet: Ud. Tiene mucha razón, es una gran responsabilidad pero nosotros tenemos que desempeñarla, Ud a través de sus grandes escritos donde entremezclan la realidad y la ficción dentro de un margen de aparente perfección; yo con mis pinceladas unas veces incomprendidas.

Fue un placer compartir con Ud. una conversación tan amena como la que hemos tenido, espero volvernos a encontrar en próximas ocasiones.

Lord: El gusto es mío maestro, y déjeme decirle que el placer es mío, con gusto vendré a próximas exposiciones, seré el primero en llegar.

Manet: Le pido un permiso.

Lord: Esta bien, igual también me marcho tengo que terminar una obra que deje inconclusa.

Y así fue como poco a poco, el inaptado Lord Byron se fue alejando de la galería y se dedicaría a terminar su más grandiosa obra: Don Juan; ante la mirada enorgullecida de Eduard Manet, por haber compartido un tiempo valioso con una autoridad en la literatura mundial.

FRANCIA!!!

Los rasgos sobresalientes de la música francesa son, de una parte, claridad y concisión (en oposición a la música germánica, casi siempre compleja y profusa), y de otra, reserva y mesura (al reves de la música italiana, tendente a un ardoroso lirismo). Es una música que desde hace mucho tiempo se mantiene bastante alejada de sus orígenes populares y folklóricos, basándose más en el instinto que en los sistemas.
Ocurre en la mayoría de los demás países europeos, las fuentes no se conocen bien, mas puede considerarse que son, por un lado, fuentes religiosas (canto llano), y por otro, fuentes profanas (canciones populares). Existía entre los francos una liturgia galicana, pero Carlomagno unificó la cuestión imponiendo en todas partes el canto romano de Gregorio 1. Los tropos y secuencias se extendieron en el s. xi gracias a las abadías de Jumiéges y Saint Martial de Limoges. Respecto a la música profana de los galos, no se sabe nada: los primeros testimonios históricos subsistentes datan asimismo del s. xi, canciones de trovadores y troveros, cantares de gesta que reflejaban las costumbres de la sociedad feudal y caballeresca (v. IX). Del s. XII al XV se asiste al nacimiento y difusión de la polifonía vocal a partir del discantus y del organum. El primer centro importante del s. XII y a lo largo de todo el XIII es la escuela de Nuestra Señora de París, que cuenta con maestros como Léonin y Pérotin (v.). En cuanto a la música religiosa, surge el motete a varias voces. Otro tanto sucede con los rondós de Adam de la Halle en el terreno profano. En el s. XIV la polifonía se enriquece con refinamientos gracias a Guillermo de Machaut (v.; autor de la primera misa unitaria), refinamientos que conducirían a una especie de amaneramiento, l'Ars nova (v.), que ilustra Philippe de Vitry. Durante el s. xv, dada la importancia política de Borgoña, la escuela franco-flamenca es la que prosigue la difusión polifónica con Ockghem, Obrecht y Josquin Des Prés.
Algunos compositores franceses famosos son:

Gabriel Faure (1845-1924) Nace en Pamiers (Francia), el 12 de mayo de 1845. En 1854 comienza a estudiar en la Ecole de Musique Classique et Religieuse con Niedermeyer, Dietsch y Camille Saint-Saens hasta 1866, cuando obtiene en Rennes el puesto de Organista. Cuatro años después regresa a París, haciéndose cargo del órgano de varias iglesias, así como de la dirección del coro de la Madeleine. Ese año participó como combatiente en la guerra franco-prusiana. En 1871 funda con Saint-Saens, Lalo, Chabrier y otros la Société Nationale de Musique. Su fama como compositor se consolida, y en 1896 sucede a Jules Masssenet en la cátedra de composición del Conservatorio de París después de haber servido como inspector de Bellas Artes. Bajo su tutela se formaron músicos como Georg Enescu, Nadia Bulanger o Maurice Ravel.

La década que se inicia en 1880 suponen una época de depresión, aunque en 1883 el matrimonio con Marie Fremiet le aportó la tranquilidad y dos hijos en el plazo de 6 años. Su carácter enamoradizo le hizo a finales de dicha década, establecer una relación paralela con Emma Bardac (futura esposa de Claude Debussy). En 1903 comienzan los primeros síntomas de sordera, lo que no es obstáculo para hacerse cargo en 1905 de la dirección del Conservatorio de París. El 4 de noviembre de 1924 moría en París a los 79 años de edad, dos años despúes de que la Sorbona le dedicara un homenaje musical sin precedentes. Entre sus distinciones destaca la Gran Cruz de la Legión de Honor (1920).

Louis Hector Berlioz (11 de diciembre de 1803 – † 8 de marzo de 1869),compositor francés y figura destacada en el desarrollo del romanticismo, es muy conocido por su Sinfonía fantástica, estrenada en 1830, el Réquiem, estrenado en 1837, y su extraordinaria utilización de la orquesta sinfónica que incluía cuatro grupos de metales "antifonales".Rápidamente se sintió identificado con el movimiento romántico francés. En 1830, esta Sinfonía fantástica generada por esas emociones fue considerada "asombrosa y vívida", pero Smithson no quiso asistir al debut en París. En aquel momento la naturaleza autobiográfica de esta obra de música programática (que requería que los oyentes leyeran un folleto con su "argumento" antes del concierto) se consideró con justicia sensacional e innovadora.En 1830 (el mismo año del debut de la sinfonía) Berlioz ganó el Premio de Roma, la beca más importante del mundo de la música.Debido al rechazo de Smithson, Berlioz se unió sentimentalmente a Marie Moke. Pero este romance fue terminado abruptamente por la madre de Moke, quien la casó con el pianista y fabricante de pianos Camille Ignaz Pleyel.Berlioz, que en esa época ya estaba becado en Roma, planeó cabalgar hasta París, disfrazarse de sirvienta doméstica, matar a Moke, a su madre y a su novio pianista y suicidarse. Llegó a viajar un par de miles de kilómetros hasta Niza, hasta que fue persuadido de abandonar la idea.

Charles Camille Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835Argel, 16 de diciembre de 1921) fue un director y compositor francés de música académica.Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Fauré y Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa—. Puede considerársele como un jalón esencial de la renovación que condujo a Debussy y a Ravel.Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, entreteniéndose en discusiones con los mejores científicos europeos y escribiendo doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y proyectaba sus conciertos para que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica (Problemas y misterios), un volumen de poesía (Rimes familières) y la comedia (La crampe des écrivains), que tuvo un gran éxito.

Su extensa obra —compuso más de 400 abordando casi todos géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere demasiado académica (en Francia sobre todo). Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.Aunque vivió casi siempre en París, se consideraba hijo adoptivo de Dieppe, una pequeña ciudad de la Alta Normandía, donde se instaló en 1888. Hoy día su legado se expone en el Château-Musée de dicha localidad, en una sala expresamente dedicada a él, el salón Saint-Saëns.

Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur (Calvados), 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925) fue un compositor y pianista francés.Entre otras cosas, Satie: Se presentaba a sí mismo como “gimnopedista” (en 1887, poco antes de escribir su más famosa composición, las Gimnopedias); Colaboró con artículos en varios periódicos; Se llamaba a sí mismo “fonometrógrafo” (alguien que mide y escribe los sonidos), prefiriendo definirse así que como "músico". Puede ser visto como un precursor del serialismo, mucho antes del siglo XX. Apareció en el cine, en 1924, en una película de René Clair llamada Entr’acte (ver: [1]); Es más conocido como Erik Satie (desde su primera composición en 1884, cambió la c francesa final de su nombre por una k inglesa). Aunque en su vida posterior se enorgullecía de siempre publicar su trabajo con su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau

Continuacion del Cubismo..!!!

LAURENS:

Henri Laurens - Dialogue des morts : Firme y decidida vendrá a buscarme; sabe que no habré de dar más batalla, que renunciaré a la miseria de este cuerpo con la certeza de haberlo vivido. Mientras tanto, le pondré trampas al destino, seguiré vagando por las noches entre sueños y fervores y jugaré durante el día, entre el cielo y la tierra, a inventarme una ficción de sonrisas y alegrías, de mundos paralelos y de amores eternos.
Cuando llegue, tendrá que conformarse, sólo encontrará la miseria de este cuerpo y los vestigios del alma, pues yo me habré consumido, entre el día y la noche, entre la vida y la ficción.

París, 1885-1954). Se dedicó a aplicar a la escultura todos los avances, significación y descubrimientos técnicos y estéticos que los pinto­res cubistas habían acuñado. Sus primeras creaciones fueron dibujos, piedras polícromas, papíers collés y angulosas estructuras de objetos reales y figuras. Trabajando la piedra y el bronce, el tratamiento del cuerpo femenino se convierte en su tema de preferencia, abandonando la angulosidad por formas más opulentas. Las más emblemáticas de sus obras son formas plenas y jugosas que muestran un perfecto juego de pura sensualidad. Al dar al Cubismo su equivalente en volumen, es considerado como el artista que contribuye a la renovación de la escultura en la primera mitad del siglo.

LÉGER:

Argentan, 1881 -Gif­sur-Ivette, 1955) Partiendo de iniciales influencias impresionistas y de Cézanne, se unió a los cubistas otorgando una importancia de primer orden a la utilización del color. Su pintura es dinámica, basada en la intensidad de los contrastes, tanto en la forma como en el colorido. A partir de la Primera Guerra Mundial, se introdujo en un universo figurativo, cotidiano y moderno, de formas geométricas y de inexpresivas figuras humanas, elementos plásticos de la composición y nunca, sus protagonistas. Los años veinte abrieron etapas de gran producción: formales y coloristas obras pictóricas, decorados para teatro y cine, murales, mosaico y vidriera, cerámica y escultura polícroma. Exiliado en EE.UU. (1940-50), su obra evolucionó hacia un realismo cada vez más acen­tuado en el tratamiento de la figura humana, disociando línea y color y desarrollando temas de trabajo, de ocio y de vi­da popular. Utilizador de la pintura para expresar el dinamismo de su aventura humana, su nombre ha representado las ideas de moder­nidad y vanguardia.

LOTHE:

Burdeos, 1885-París, 1965) Pintor y crítico de arte, entró en 1909 en el mundo de los profesionales de la pintura a través del Salón de Artistas Independientes. En su obra, deudora del Fauvismo y del arte del África negra, los medios tonos, los efectos de luz y las sombras poseen una existencia propia. Integró la Section d'Or y, a partir de los años veinte, centro su interés en el tratamiento de te­mas tradicionales: escenas mitológicas, naturalezas muertas y paisajes. En 1922 abrió una academia dedicada a difundir su pensamiento estético, que consideraba que las vanguardias habían traicionado los principios de la gran tradición. Ejerció como notable pedagogo y escribió muy destacables libros y artículos sobre pintura, de gran influencia en las décadas centrales del siglo.

ARCHIPENKO:

(Kiev, 1887-Nueva York, 1964). Tras estudiar pintura en su ciudad y en Moscú, trabajo en París (1908-20), en Berlín (1921-23) y, a partir de 1924, en los Estados Unidos. Bajo la estética cubista, mostró una geometrización expresionista de volúmenes que más tarde abandonaría. En los años previos a la Primera Guerra Mundial aportó importantes innovaciones, yendo hacia una escultura plurimaterial, construyendo sus obras mediante planos y el vaciado de las formas a través del ritmo y el juego espacial, contraponiendo lo cóncavo y lo convexo, el uso de la policromía y la unión de materiales diversos. Muestra un permanente interés experimental: archipinturas, esculturas transparentes, modelados de la luz.

Como ha podido comprobarse la aportación cubista al ámbito escultórico del siglo XX fue decisiva v comportó una nueva manera de entender el espacio. Éste dejó de ser algo meramente compacto y macizo para comenzar a otorgar importancia a la articulación. Lentamente se estaba iniciando un proceso que culminaría, más tarde, con la aportación de los constructivistas, Gabo y Pevsner, en la concepción de la escultura aérea, en la que tan fundamental es el espacio propiamente escultórico, como el aire que envuelve a la pieza.

http://w3.cnice.mec.es/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/x-contem/cubismo2.htm

http://mundoarte.portalmundos.com/category/comentarios/

Etapas del cubismo www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/cubismo_etapas_evolucion.html

Protagonistas del cubismo http://w3.cnice.mec.es/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/x-contem/cubismo1.htm

El Cubismo..!!!!

EL CUBISMO

Introducción:

La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año de encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos, fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueran pintadas por Braque. Puede afirmarse que Picasso es al Cubismo lo que Matisse al Fauvismo.

"Las señoritas de Avignon" en 1907 se consideran la piedra angular del arte del arte del siglo XX. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.

Origen del término "Cubismo":

Louis Vauxcelles habló de cubos en su comentario acerca de la exposición de Braque en la galería de Kahnweiler en noviembre de 1908. Vauxcelles también habla de bizarreries cubiques, expresión de la que deriva el nombre del estilo. Después se refirió a algunos de los pintores de los Indépendants de 1910 que trabajan bajo la influencia de Cézanne como geómetras ignorantes, que reducen el paisaje y el cuerpo humano a ínsipidos cubos. Se dice que Matisse también habló de petits cubes.

Las características de un nuevo lenguaje:

En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos:

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.
3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.
4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos
5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.
6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Evolución:

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: científico, órfico e instintivo. Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética.
Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del
Cubismo:

1. Fase analítica:

En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.


2. Fase hermética:

Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.


3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura

:


En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.

El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos". Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Muchas veces se ha relacionado el arranque del collage cubista con el Ready-made de Duchamp. El collage se usó como nueva forma de trabajar tanto técnica como estéticamente, y derivó hacia otras técnicas diferentes como el fotocollage.

La ruptura cubista

Igual que otras muchas tesis de las vanguardias, las de los pintores cubistas nacen de experiencias anteriores. Una de las más importantes se remonta a 1880, cuando Seurat –apoyándose en la ley de los contrastes simultáneos- descubre el divisionismo, técnica según la cual en vez de mezclarse los colores se yuxtaponen provocando un nuevo efecto pictórico.

Sobre la nueva estética también gravitan las teorías empiriocriticistas y fenomenológicas de Boutron y Bergson, y otras que proceden de las ciencias puras, especialmente del ámbito de las matemáticas y la geometría. Así lo aprecia Apollinaire en su libro Pintores cubistas (1913), cuando escribe que “la geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es al arte de escribir”.

Mediante la pureza geométrica se pretende obtener la “arquitectura del cuadro”. Y esa búsqueda -que entraña una feroz batalla contra todo lo que resulte transitorio e impuro- condujo inevitablemente a muchos pintores por los senderos de la abstracción racionalista.

Representantes del Cubismo:

Hay tres artistas cuyo estilo de pintura cubista resulta coherente:
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Hay otros muchos considerados cubistas, cuya obra difiere notablemente de los anteriores, Gleizes y Metzinger, autores del primer texto en torno al Cubismo, Du Cubisme. También trabajaron Marcel Duchamp y Francis Picabia, ambos luego empezaron pronto en el Dadaísmo. Otros de mayor inventiva fueron Robert Delaunay y Fernand Léger.

PABLO PICASSO:



Pablo Ruiz Picasso nació en la ciudad andaluza de Málaga, el día 25 de octubre de 1881, concretamente en el número 36 de la Plaza de Riego. Posiblemente el más genial de los pintores modernos vió por primera vez la luz del mar Mediterraneo, luz y color que reflejaría a lo largo de toda su obra. Empezó pronto su afición por la pintura y el dibujo, alentado por sus padres: D.José Ruiz Blasco, profesor de la Escuela de Bellas Artes de la capital andaluza y María Picasso López.

La actividad pictórica de Pablo Picasso comenzó a una edad muy temprana, con sólo 11 años fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña. Este lienzo lo empezó con 14 años años y demuestra el dominio que poseía del color, la composición y la técnica.

Una frase atribuída al pintor Malagueño en los últimos años de vida sentenciaba: "... a los quince años pintaba como Velázquez, y me ha costado ochenta pintar como un niño...". Posiblemente ninguna de las dos cosas sea verdad, pero sí reflejaba la necesidad que sentía de explorar e innovar en nuevos campos artísticos desde el principio de su carrera.

GEORGES BRAKE:

G.Brake.viaducto en L´estanque. 1908

Georges Braque se inició trabajando como decorador con su padre. Hacia 1900 se trasladó a París. Allí tuvo la oportunidad de conocer la vanguardia del momento. Entró en contacto con el Fauvismo y conoció el arte de Matisse y Derain. Asimismo, Cézanne supuso un gran descubrimiento para él. Sin embargo, será el encuentro con Picasso el que le impulsa a llevar su arte hacia un nuevo rumbo. Ambos emprenden la aventura del Cubismo.

JUAN GRIS:

juan José Victoriano González fue un dibujante extraordinariamente dotado. Se inició artísticamente en el Modern style, pero su instalación en París, en 1906 junto a Picasso, le introdujo en el Cubismo. En 1910 comenzó a pintar en la técnica del Cubismo analítico, sin llegar con todo a la descomposición radical del objeto que definía a tal tendencia. Tras la Gran Guerra, con sus Pierrots inició una nueva etapa a la que permanecería definitivamente fiel: la del Cubismo sintético. En 1923 realizó figurines y decorados para los ballets de Diaghilev y se dedicó a la ilustración de obras literarias. Su obra supone la culminación del Cubismo, que trato con una coherencia, perseverancia y rigor de los que carecieron muchos de sus mejores representantes. Su producción fue corta. Representante de la vertiente clásica del Cubismo, afirmó: "No es el cuadro el que debe coincidir con un objeto, sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro".

METZINGER:

Jeune femme pensive

(Nantes, 1888-París, 1957) Procedente del Neoimpresionismo y del Fauvismo, se decantó a partir de 1908 por el ideario cubista. Miembro de la Section d’Or, en 1912 colaboró con Gleizes en la elaboración del libro Sobre el cubismo. En este mo­mento, aparece como el creador más representativo del grupo. Su obra presenta dos etapas consecutivas. La primera, cubista en sentido estricto, que culmina en 1921; la segunda, definida por un decidido retorno a las formas del realismo. Para la crítica actual, su obra, determinada por una evidente laboriosidad, es de las menos atrayentes de la corriente.

FRANCIS PICABIA:

Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879, pero de origen cubano. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Pissarro y Sisley. De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp.

ROBERT DELAUNAY:


Homage to Bleriot by Robert Delaunay

(París, 1885-Montpellier, 1941) Impresionista y fauvista en sus inicios, paso a crear unas originales formas cubistas a partir de 1909, basadas en el contraste del colorido y el abandono de la perspectiva tradicional. Erigiendo al color como forma básica y protagonista de sus ob­jetos, muestra rasgos de un marcado dinamismo. Su estrecha relación con los dos países ibéricos (1914-1920) le llevó a potenciar con gran riqueza elementos formales y cromáticos extraídos de la realidad. En Madrid, realizó decorados y vestuarios para los Ballets Rusos de Diaghilev. Nuevamente en París, tras una etapa dadaísta y surrealista, hacia 1930 retomó sus intereses e investigaciones en la abstracción. Trabajó en la decoración para espectáculos de cine y como cartelista y, en 1937, elaboró los grandes decorados para la Exposición Universal de París.

GLEIZES:


Bailarina española

En 1916, Albert Gleizes se traslada a Barcelona, junto con el resto de los artistas de la vanguardia internacional que se establecieron en la capital catalana durante la Primera Guerra Mundial. Desde el principio, participa activamente en la vida cultural de la ciudad y, entre otras actividades, realiza su primera exposición individual en la Galería Dalmau.

A lo largo de 1916, Gleizes realiza una importante serie de dibujos a tinta y a gouache dedicados a la bailarina española. Este gouache, protagonizado por la combinación de planos de color es, sin duda, uno de los más acabados. En toda la serie el artista desarrolla plenamente su visión del cubismo, desestructurando los objetos en perspectivas geométricas, pero sin perder la referencia al mundo real.

Frente a la mayor parte de sus compañeros de vanguardia, que, en estos momentos, apostaban por la aventura dadá, Gleizes permanece fiel al cubismo. No en vano, él había sido, junto con Jean Metzinger, uno de sus primeros teorizadores.







MODERNIDAD Y MODERNISMO!!

Para empezar cabe destacar la importancia de estos dos terminos y los avances que han surgido en nuestra sociedad debido a la existencia y modificacion de estos en ambitos tanto sociales, culturales e historicos. Primero que todo, es valioso saber la definición de la modernidad entendiendose como un concepto filosófico y sociológico, que puede definirse como el proyecto de imponer la razón como norma trascendental a la sociedad.
Desde ese punto de vista es similar al concepto kantiano de Ilustración (la mayoría de edad del individuo, que ejerce su razón de forma autónoma: el Sapere aude), y antes que éste al antropocentrismo humanista del Renacimiento (por ejemplo la Oratio pro homini dignitate de Pico della Mirandola). Fue muy significativo, para entender la diferente concepción de lo nuevo entre la Edad Media y la Moderna, el Debate de los antiguos y los modernos.

Asi mismo en compracion, definimos al modernismo como el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Más que el imperio de una estética bien definida, representa el modernismo una etapa cronológica de vagas fronteras que se caracteriza por la incidencia de ciertas constantes que derivan de las primeras formulaciones de Rubén Darío (1867-1916). Este poeta escribe en 1888: "...llevar el arte de la palabra al terreno de las otras artes, de la pintura verbigracia, de la escultura, de la música... Pintar el color de un sonido, el perfume de un astro, algo como aprisionar el alma de las cosas". Y en el año de publicación de Prosas profanas (1896) define las aspiraciones de su poética en los siguientes términos: "Al penetrar en ciertos secretos de armonía, de matiz, de sugestión que hay en la lengua de Francia fue mi pensamiento descubrirlos en español o aplicarlos... La sonoridad oratoria, los cobres castellanos, sus fogosidades ¿por qué no podrían adquirir las notas intermedias y revestir las ideas indecisas en que el alma tiende a manifestarse con mayor frecuencia? Luego, ambos idiomas están, por decirlo así, hechos con el mismo material. En cuanto a la forma, en ambos puede haber idénticos artificios. La evolución que llevara al castellano a este renacimiento, habría de verificarse en América, puesto que España está amurallada de tradición, cercada y erizada de tradicionalismo..."1 Trascienden claramente estas ideas tanto de Correspondances de Baudelaire como de Voyelles de Rimbaud y no menos que de Verlaine que dice: "Car nous voulons la Nuance encor, / Pas la Couleur, rien que la nuance!" en el mismo poema en que exalta la música como la más alta virtud del poema (Art poétique). Y aquí es fuerza hacer una brevísima digresión para ilustrar al estudiante extranjero el carácter esencial que la revolución modernista tuvo para el desarrollo del Lenguaje de la poesía en castellano.

Se percatarán, especialmente aquellos para quienes nuestra lengua es extraña, de que todos los fonemas posibles en español tienen un valor absoluto invariable: es decir que se pronuncian siempre igual, razón que excluye la posibilidad de que exista entre uno y otro una gama de variaciones intermedias por las que se pudiera dar cuenta de una modulación musical del verso ya que la sucesión de sonidos que lo componen pasa abruptamente de uno a otro. Los artificios de la composición poética como la disposición de los acentos en la cláusula, de la cesura en el verso, de la sinalefa entre las palabras o de la rima entre los versos modifica, enriquece o controla el ritmo, pero solamente la altura de los sonidos y la posibilidad de pasar de uno a otro a través de una gama continua de sonidos intermedios permitiría producir esa modulación melódica por la que el elemento musical podría inscribirse claramente dentro de las perspectivas a las que
Verlaine destina su poema en el Art poétique. Si se agrega a esta falta de diversificación vocálica el hecho de que a veces se asimila en un solo sonido el valor fónico de hasta tres letras diferentes (como es el caso de c, s y z en casi toda América), la potente sonoridad, la riqueza rítmica y la vasta amplitud del período quedan, sin embargo, regidos por una restrictiva economía de rima y de escala sonora.

Fue, en resumidas cuentas, el más grande logro del modernismo el rompimiento de la estructura estrófica que aherrojaba a la poesía en español. Si lo que en el sentido de la poesía de Laforgue se entiende por verso libre no cobró toda su importancia en la poesía de nuestra lengua hasta después del modernismo, sí propuso nuevas formas de escansión más sutiles, menos simétricas y cuya irregularidad colmaba, a veces con ventaja, por la modulación rítmica, los intervalos tónicos o fónicos inasequibles a nuestra lengua.

tomado de: Modernidad y Modernismo. Por Salvador Elizondo. De la introducción a la antología MUSEO POETICO, Universidad Nacional Autónoma de México, México, 1974. http://www.lamaquinadeltiempo.com/elizondo/modern.htm